Gino Morandis (Venezia, 1915-1994)
Si forma all’Accademia di Belle Arti di Venezia sotto la guida di Virgilio Guidi, seguendolo, insieme a Luciano Gaspari, all’Accademia di Bologna nel 1935.
A Bologna ha modo di frequentare anche le lezioni di Giorgio Morandi, arricchendo così gli insegnamenti di Guidi sulla luce. Le prime esperienze pittoriche risentono degli insegnamenti dei due maestri e dell’influenza dell’opera di Georges Braque, traducendosi in raffinate e delicate composizioni naturalistiche. Espone alla II Quadriennale di Roma del 1935; ma nel 1938 è costretto a interrompere la sua attività espositiva per la chiamata alle armi fino al 1943, anno in cui tornerà a Bologna come assistente di Guidi all’Accademia.
Alla fine degli anni Quaranta Morandis risente del particolare clima culturale della città, che segna il delinearsi delle due tendenze in opposizione, realismo/astrattismo, verso cui orienta il suo lavoro. Nel 1948 espone alla prima edizione della Biennale di Venezia del Dopoguerra, e all’anno seguente si ascrive la mostra personale alla Galleria dello Scorpione a Trieste. Negli anni ’50 si avvicina agli Spazialisti, e compare nel manifesto del 1953.
Di ambito spaziale però già le opere del 1949-50, solitamente denominate Composizione e numerate progressivamente. L’opera di Morandis si contraddistingue fin da subito per la dialettica tra i piani cromatici, ove il colore sfumato si espande nello spazio con afflato atmosferico.
Nel 1954-57 l’idea di nucleo si concretizza, raffigurando masse materiche disposte circolarmente, alla ricerca di un senso primitivo nella materia. Questo aspetto acquisterà grande importanza nella ricerca espressiva sullo spazio-colore degli anni successivi che vedranno l’artista operare con colori matericamente energici e raffinate dissolvenze. Partecipa a numerose e importanti manifestazioni artistiche nazionali e internazionali tra cui si ricordano le sue partecipazioni alle Biennali di Venezia nel 1936, 1948, 1950, 1952, 1954, 1956, 1958, 1962, e 1968 con una sala personale.

Luciano Gaspari (Venezia, 1913 – 2007)
Si forma all’Accademia di Belle Arti di Venezia con Virgilio Guidi e segue un percorso indipendente dagli artisti spaziali, a cui si avvicinerà grazie al sodalizio con Bacci e Morandis, sebbene non firmerà nessun manifesto. Muove però da posizioni pittoriche più tradizionali, subendo l’influenza di Picasso. Nel 1943 sposa l’artista Bruna Gasparini e tiene la prima mostra alla Galleria Il Milione di Milano con Armando Pizzinato.
Dagli anni ‘50 la pittura si volge verso le linee astratte dell’informale, assumendo corpo materico e cromie brune e profonde, percorse da squarci di luce che penetrano una materia primordiale. Tra fine anni ‘50 e inizio ‘60 la pittura si fa più preziosa, nel ciclo delle stagioni e nelle germinazioni. Gaspari opera anche con il vetro e collabora a lungo con le Vetrerie Salviati, dove è direttore artistico dal 1955 al 1968. Oltre a numerosissime personali nelle più prestigiose Galleria italiane ed europee, Gaspari ha preso parte a 5 edizioni della Quadriennale di Roma (1936, 1947, 1951, 1959, 1973) e a 11 edizioni della Biennale di Venezia (1936, 1938, 1940, 1948, 1952, 1956, 1958, 1966, 1962, 1968, 1995).

Bruna Gasparini (Mantova, 1913 – Venezia 1998)
Si trasferisce fin da giovane a Venezia dove coltiva le sue passioni per la pittura, la musica e la poesia. Si forma da autodidatta seguendo i suggerimenti di Virgilio Guidi e di Arturo Martini e nel 1940 espone alla Biennale di Venezia con un’opera ancora di carattere figurativo. Vi esporrà nuovamente nel 1948, nel 1950, e nel 1964, con una sala personale allestita da Carlo Scarpa. Partecipa anche alle Quadriennali di Roma del 1948 e del 1955.
Gli anni Quaranta si sviluppano nell’orbita di un’analisi cubista, memore dell’essenza cromatica di Braque. Gli anni Cinquanta sono il momento in cui l’artista definisce il suo personale linguaggio espressivo: si avvicina all’astrattismo e partecipa, grazie alla fraterna amicizia con Morandis, Bacci e Tancredi, agli avvenimenti e alle esperienze spaziali, pur mantenendo un ruolo assai riservato. Come il marito Luciano Gaspari frequenta il gruppo senza, però, aderire apertamente al movimento. Quando si presenta con la prima personale nel 1955 alla Bevilacqua La Masa di Venezia è evidente la profonda indagine sulle problematiche riguardanti lo spazio, la luce, il segno e il colore. L’interesse per la musica sembra guidare le sue composizioni degli anni ’50, e nel 1955 esporrà alla Bevilacqua la Masa Ritmi, Sonorità, Armonia, dove il segno si espande in un campo quasi totalmente monocromatico. La sovrapposizione segnica di questi lavori lascia via via spazio al naturale espandersi del colore e della luce. Due ricerche, individuate dal Professor Barbero, distinguono il periodo spaziale dell’artista: una dedicata al suono della luce e ai colori accesi, la seconda legata alle cromie cupe, appena illuminate. Le opere dedicate alla “Terra” sono così rivelatrici di una natura crepuscolare e lunare. Queste filone in libero dialogo con il buio contraddistingue la sua produzione degli anni ’60. Negli anni ’70 un viaggio in Sicilia la porta ad incontrare una nuova luce, estrema: nei Desideri di Mare e nelle Giudecche lo spazio si articola in campi cromatici trasparenti. Nel 1996 la Casa del Mantegna inaugura una personale, con opere dal 1955 al 1995, introdotta in catalogo da Luca Massimo Barbero il cui catalogo è ad oggi l’unico valido strumento per conoscere il lavoro di questa artista straordinaria.

Saverio Rampin (Stra, 14 dicembre 1930 – Venezia, gennaio 1992)
Rampin si forma tra il 1948 e il 1949 sotto la guida di Armando Pizzinato. Nel 1950 partecipò alla XXV Biennale di Venezia esponendo l’opera Scuola di Pittura,] e all’anno seguente risale la prima mostra personale, presentata da Pizzinato alla Galleria Sandri di Venezia. Entra in contatto con gli spazialisti per tramite della Galleria del Cavallino, e diventano per lui frequentazioni assidue sebbene, come Gaspari e Gasparini, non firmerà mai nessun manifesto. La sua arte di matrice astratta si connota per un’importante sintesi formale dalla forte carica espressiva. Le sue forme esprimono l’interesse per il mondo naturale e per la forza generatrice della natura, il suo crescere dando vita a nuove creature e dinamiche. A partire dal 1953-55 le cromie accese e una certa forza e potenza del segno, che diviene anche rappresentazione emotiva ed esistenziale di un mondo naturale gestualmente riportato sulla tela con una pittura materica, lo accostano alla pittura di azione d’oltreoceano.